29. Dezember 2008

Glenn Gould: Moskauer Konservatorium, 12. Mai 1957

Das durch Stalins Tod ausgelöste Tauwetter nach Jahren des Kalten Krieges gab zu politischen Hoffnungen Anlaß und ermöglichte das erste Konzert eines nordamerikanischen Pianisten in der Sowjetunion. Im Mai 1957 stand der 24-jährige Glenn Gould auf dem Moskauer Flughafen:

"Ich sah ihn die Treppe herunterkommen, es war sehr heiß in Moskau, er trug einen Hut, Mantel, Schal und Handschuhe. Ich war ein wenig überrascht, dass er mir seine Hand nicht reichte."

So erinnert sich seine Dolmetscherin später. Das erste Konzert ist schlecht besucht, der Kanadier hier gänzlich unbekannt. Doch nach den ersten Tönen herrscht atemlose Spannung. Hier sitzt ein Bach-Interpret wie von einem anderen Stern: hart, unromantisch, von einer geistigen Klarheit, die wie das ersehnte Programm einer neuen musikalischen Kultur erscheint. In der Pause eilen die wenigen Zuhörer zu den Telefonen, die Kunde verbreitet sich rasend, danach ist der Saal wie bei allen noch folgenden Konzerten in Moskau und Leningrad brechend voll.

Man bittet Gould, für die Studenten des Konservatoriums ein Gesprächskonzert zu geben. Er bestimmt das Programm selbst, und so kommt es am 12. Mai zur Aufführung einer Musik, die bis dato als "formalistisch, dekadent und bürgerlich" verurteilt und so in der Sowjetunion noch nie zu hören war.

Glenn Gould, 1955. Das Foto entstand im Aufnahmestudio der Columbia Records in New York während der Einspielung der Goldberg-Variationen, Goulds erstem Album, das ihn buchstäblich über Nacht in die Weltspitze der Pianisten emporhob.

Die Nachwirkungen auf die musikalisch-intellektuelle Szene sind enorm, auch wenn sich die Hoffnung auf eine weitergehende kulturelle Öffnung des Landes zunächst nicht erfüllen sollte. In den folgenden Jahren beschäftigt sich Gould intensiv mit russischer Geschichte, Musik und Literatur. Und er erinnert sich:

"Es war ein Erlebnis, das mir für den Rest meines Lebens in Erinnerung bleiben wird. Man hat es mit einem Publikum zu tun, das jeder überzeugend vorgebrachten Idee zugänglich ist. Es war vielleicht ein ähnliches Gefühl, wie wenn man als erster Musiker auf dem Mars oder der Venus landet und einigen äußerst verwirrten, aber ernsthaft interessierten Zuhörern einen riesigen unerforschten Bereich offenbaren soll. Es war ein großartiger Tag für mich!"

(Quelle: UltimateHerosWelt, nach dem Deutschlandradio)

TRACKLIST Glenn Gould: Concert de Moscou 12/5/1957

ALBAN BERG (1885-1935) 

[1] SONATE POUR PIANO, OP. 1 - ALLEGRO MODERATO (8'30)
Glenn Gould parle des compositeurs de la nouvelle École de Vienne
Un extrait de la "PASSACAILLE POUR ORCHESTRE" d'Anton Webern (5'18)

ANTON WEBERN (1883-1945) 

[2] VARIATIONS POUR PIANO, OP. 27 (4'43)
Glenn Gould parle d'Ernst Krenek (1'25)

ERNST KRENEK (NÉ EN 1900) 

EXTRAITS DE LA SONATE POUR PIANO N°3, OP. 62 N 4
[3] ALLEGRETTO PIACEVOLE, ANIMATO E FLESSIBILE (4'48)
[4] ADAGIO (6')
Glenn Gould s'adresse au public (1'26)

JEAN-SÉBASTIEN BACH (1685-1750)

[5] EXTRAITS DE L'ART DE LA FUGUE, BWV 1080
Contrepoints 1,4,2 (10'15)

[6] EXTRAITS DES VARIATIONS GOLDBERG, BWV 988
Variations 3,18,9,24,10,30 (7'27)

TOTALE 49:52

GLENN GOULD, piano

Traductions en russe de Let Vlasenko
Enregistrement mono réalise au Conservatoire de Moscou le 12 Mai 1957
Dessin de Nicolas SABA


"The recordings of the archives took place in the Small Hall of the Tchaikovski Conservatory in Moscow in the presence of soviet students, whom Glenn Gould addressed. In order to preserve the atmosphere and the didactic character of this encounter, we have chosen to publish the tape in the exact manner in which it was recorded without any editing or cuts. This explains the different intensity in the tape due to the placement of the microphones." (aus dem Booklet)

Der Glenn Gould Chair (bei Zechlin, Ahrensburg/Hamburg)

Glenn Goulds Sitzposition war extrem tief und er fand keinen passenden Stuhl in den Konzertssälen und Studios vor. So nutze er immer seinen eigenen Klavierstuhl, den ihm sein Vater gebaut hatte und der es ihm ermöglichte, gerade mal 30 cm vom Fußboden entfernt zu sitzen, so dass er die Handgelenke auf oder unter der Ebene der Klaviatur behalten konnte.

Zitat seines Vaters: „Ich versuchte was ziemlich Leichtes an Klappstuhl aufzutreiben und dann von jedem Bein etwas abzusägen, ich machte mir eine Messingklammer, die um jedes Bein herum ging und schraubte sie daran fest, und dann schweißte ich die Hälfte einer Spannschraube an jede Klammer, so dass jedes Bein einzeln eingestellt werden konnte.“

Dieser besonderen Stuhl steht heute in der Library of Toronto. Der italienische Möbelhersteller Cazzaro hat sich die Exklusivrechte zur Produktion dieses Stuhls als originalgetreue Replik weltweit gesichert. Originalgetreu bedeutet auch inklusive des bekannten typischen Nebengeräuschs der Klappfeder dieses Stuhls - allen Gould Liebhabern leidvoll bekannt. Auch die Abnutzungsspuren an diesem Stuhl sind detailgetreu nachgearbeitet.

Im deutschsprachigen Raum (Deutschland, Österreich, Schweiz) erhalten Sie diesen Stuhl exklusiv im Pianohaus Zechlin. (Detailansicht)


Kevin Bazzanas Biographie ist der vorerst letzte Versuch in einer Reihe von Büchern, Goulds geniale Klavierkunst, aber auch sein Leben voller Merkwürdigkeiten und Exzentrizitäten darzustellen und zu verstehen. Herbert Fuchs (Marburger Forum) hat dazu eine lesenswerte Buchbesprechung verfaßt.



Beckmesser, "Die Seite für neue Musik und Musikkritik", ist die engagierte Tribüne für Max Nyffelers Texte, Meinungen und Informationen. Neben vielen anderen Beiträgen ist hier auch einer der gelungenen Texte zu Glenn Gould erschienen. (Ein abschreckendes Beispiel für einen mißlungenen Text wird diesmal von © der Zeit geliefert. Es nutzt auch nichts, Bazzanas Biographie "epochal" zu nennen.)

Reposted on April 13, 2014

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22. Dezember 2008

Dietrich Fischer-Dieskau singt Lieder nach Texten von Richard Dehmel

Um 1900 galt Richard Dehmel (1863-1920) neben Rainer Maria Rilke und Stefan George als Deutschlands bedeutendster Lyriker. Während George und Rilke das Entzücken der vornehm-feinsinnigen Ästheten waren, stritt man heftig über Dehmel, wegen der glühenden Erotik und der sozialrevolutionären Untertöne seiner Gedichte. 1896 wurde sein Verszyklus "Weib und Welt" wegen Verletzung religiöser und sittlicher Gefühle vor Gericht gebracht, und die 2.Auflage durfte 1901 nur zensuriert erscheinen.

Vogt und Kochs "Geschichte der deutschen Literatur", 1910, urteilt über den Dichter: "Zwar fehlt es Dehmel keineswegs an wirklicher lyrischer Begabung, doch in Gesichtsammlungen wie 'Weib und Welt' schließen Lüsternheit und phantastische Übersinnlichkeit ein widerliches Bündnis... Bei Dehmel wie bei vielen Modernen überwuchert ungesunde und unsittliche Erotik alle guten Keime der Poesie. ... Im Streben nach glühenden, tiefen Farben für die Schilderung brünstigen Sehnens mag man des Dichters übel verwendete Begabung erkennen, aber mehr als giftige exotische Treibhauspflanzen können auf solchem Boden nicht gedeihen."

(Quelle: Karl Schumann, im Booklet)

M.A. Stremel: Richard Dehmel (Photo: Archiv für Kunst und Geschichte, Berlin)

Nach Dehmels Tod flaute das Interesse an seinem Werk rasch ab; heute gilt er nur mehr als ein für seine Zeit, die schwüle Jahrhundertwende, die die Umbrüche und Katastrophen des 20. Jahrhunderts bereits ahnen läßt, typischer Zeitgenosse. Zu seiner Zeit jedoch hatten führende, höchst unterschiedliche, Komponisten seine Verse vertont, oder sich von diesen zu "Programmmusik" (siehe Schönbergs Verklärte Nacht) anregen lassen. Als Beitrag zu den Berlinen Festwochen von 1984, die unter dem Thema "Berlin um 1900" standen, hat Dietrich Fischer-Dieskau eine Anzahl dieser Vertonungen vorgetragen, die zehn Jahre später in einem kleinen, aber feinen Münchner Label als CD erschienen sind.


TRACKLIST

Lieder nach Texten von Richard Dehmel 


KAROL SZYMANOWSKI (1882-1931)

[01] Stimme im Dunkeln op. 13,1 "Es klagt im Dunkeln"            2'08

MAX REGER (1873-1916)

[02] Waldseligkeit op. 62,2 "Der Wald beginnt zu rauschen"       1'17

ALEXANDER VON ZEMLINSKY (1871-1942)

[03] Entbietung op. 7,2 "Schmück dir das Haar mit wildem Mohn"   1'34
[04] Meeraugen op. 7,3 "Was will in deinen Augen"                2'34

CONRAD ANSORGE (1862-1930)

[05] Immer wieder op. 11,4 "Ehe wir uns trennen konnten"         1'33

HANS PFITZNER (1869-1949)

[06] Die stille Stadt op. 29,4 "Liegt eine Stadt im Tale"        2'35

ARTUR SCHNABEL (1882-1951)

[07] Notturno "So müd hin schwand es in der Nacht"              21'15

ANTON WEBERN (1883-1945)

[08] Tief von fern "Aus des Abends heißen Wogen"                 1'21
[09] Aufblick "Über unsre Liebe hängt"                           2'23
[10] Ideale Landschaft "Du hattest einen Glanz auf deiner Stirn" 2'01
[11] Am Ufer "Die Welt verstummt"                                1'43
[12] Himmelfahrt "Schwebst du nieder aus den Weiten"             2'44
[13] Nächtliche Scheu "Zaghaft vom Gewölk ins Land"              1'59
[14] Helle Nacht "Weich küßt die Zweige"                         3'05

RICHARD STRAUSS (1864-1949)

[15] Notturno op. 44,1 "Hoch hing der Mond"                     12'38
Bearbeitung für Bariton, Violine und Klavier
[16] Stiller Gesang op. 31,4 "Der Abend graut"                   1'20
Bearbeitung für Bariton, Violine und Klavier


TOTAL                                                           63'12


DIETRICH FISCHER-DIESKAU
ARIBERT REIMANN Piano
KOLJA BLACHER Violine


Aufnahme/Recording/Enregistrement: 6, Februar 1985, Sender Freies Bcrlin, Saal III
Aufnahmeleitung/Recording Supervision/Direction de l'enregistrement: Ursula Klein
Digital Remastering: Othmar Eichinger, Gottfried Kraus
® © 1995

"Weib und Welt", Faksimilie der 2.Auflage 1901

Richard Dehmel Online

Dehmels Werke sind im Web mehrfach abrufbar, die am nächsten liegenden Stellen sind:

Projekt Gutenberg - Zeno - Wikisource.
Die zweite (zensurierte) Auflage von Weib und Welt wird als Faksimilie von der Universität Bielefeld bereitgestellt. Der zur Zensur den Anlass gebenden Text Venus Consolatrix wirkt heute ziemlich harmlos.
Die Richard Dehmel gewidmete Webseite www.richard-dehmel.de ist (zumindest zur Zeit) nicht aufrufbar (also möglicherweise auch bereits der Zensur verfallen?!), würde aber mit interessanten Material aufwarten, wie die mit google gefundenen Bruchstücke verraten lassen.
Kremmen, der Ort in der Mark Brandenburg, in dem Dehmel am 18. Nov. 1863 als Sohn eines Försters geboren wurde, "gedenkt mit Stolz seinem Dichter". (Des Dichters Geburtshaus).
Nachzutragen bleiben noch eine vom Bilderbeisser stammende Darstellung Dehmels sowie die Würdigung der philosophischen Züge in seinem Werk.

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Reposted on March 14, 2014

16. Dezember 2008

Olivier Messiaen: Quatuor pour la fin du Temps

Vogeldialoge, früheste Farben, wartende Bäume. »Zwischen drei und vier Uhr morgens«, schreibt der Komponist dazu. Und meint einen Morgen vorm Erwachen der Menschen auch im anderen Sinne. Sie haben die Welt noch nicht betreten. So könnte sie geklungen haben, wie Klarinette, Geige, Cello und Klavier sie hier tönen lassen, zu Anfang des Quartetts für das Ende der Zeiten. So selbstvergessen und sanft, so komplex und absichtslos. Aber es war kein milder zeitloser Morgen, an dem das Werk des 33-jährigen Olivier Messiaen erstmals erklang. Es war der kalte 15. Januar 1941 in einer ungeheizten Baracke des Stalag VIII A in Görlitz. Der Komponist war Kriegsgefangener.

In diesem Lager hat er das Quatuor pour la fin du temps geschrieben, die »Eingebung dazu empfangen«, wie Messiaen als gläubiger Katholik sagt. Die ungewöhnliche Besetzung hat damit zu tun, dass außer dem Pianisten Messiaen noch drei weitere Franzosen unter den 5000 Gefangenen exzellente Musiker waren. Ein Geiger, ein Klarinettist, ein Cellist. Dass es überhaupt zur Realisierung des Quatuor kommen konnte, ist einem deutschen Offizier zu verdanken. Karl-Albert Brüll war Musikliebhaber. Er besorgte dem Gefangenen Schreibzeug und Arbeitsraum. Und er bildete mit anderen deutschen Offizieren und rund dreihundert Gefangenen das frierende Publikum der Uraufführung.
Mit dem Titel Das Ende der Zeiten bezog sich Messiaen auf die Offenbarung des Johannes. Dort fällt der Untergang der Welt zusammen mit dem Beginn der Ewigkeit. Das ist für Nichtgläubige wenig trostreich, doch bei Messiaen hört man, dass Ewigkeit nicht erst am Jüngsten Tag beginnen muss. Sie beginnt bei den Gesprächen der Vögel, setzt sich fort mit dem Regenbogen, der in sanften Akkordwellen des Klaviers schimmert, und sie wird immer menschlicher. Der Vogel, der als Soloklarinette über dem »Abgrund der Zeit« singt, ist ein Melancholiker. Für die »Ewigkeit Jesu« entfalten Cello und Klavier Linien der Sehnsucht in unendlich zärtlicher Langsamkeit. Man muss nicht katholisch sein, um da Liebe zu hören.

Anzeige der Uraufführung, 15.01.1941, mit der Besetzung Olivier Messiaen (Klavier), Jean le Boulaire (Violine), Étienne Pasquier (Violoncello), Henri Akoka (Klarinette)

Denn hier waltet kein Missionar, sondern ein Musiker, der sich als Subjekt zurücknimmt und Töne existenziell werden lässt. Darum geraten auch vermeintlich überkommene Gesten in neue Gegenwart, und gewagteste Unberechenbarkeiten scheinen Naturgesetzen zu folgen. Metrische Partien stehen schlüssig neben irregulären, zeitaufhebenden Rhythmen, Durakkorde neben solchen, die nur noch Farbe sind. Psychedelische Lichtstöße entschießen dem Engel, der im vorletzten Satz die Ewigkeit ankündigt. Die ist am Ende sinnlich. In der »Unsterblichkeit Jesu« scheint die Geige mit ihren Linien, hierhin, dorthin, verweilend, zurückkehrend, behutsam den Körper eines Menschen zu ertasten. Und keiner friert mehr.

(Quelle: Volker Hagedorn: Ewig ist jetzt, © DIE ZEIT, 11.05.2006)

TRACKLIST

Olivier Messiaen (1908-1992)

Quatuor pour la fin du temps
Quartett für das Ende der Zeit
für Violine, Klarinette, Violoncello und Klavier (1940-41)

[01] I.    Liturgie de cristal                                  2.29
          (Violine, Klarinette, Violoncello, Klavier)

[02] II.   Vocalise, pour l'Ange qui annonce la Fin du Temps    4.25
          (Violine, Klarinette, Violoncello, Klavier)

[03] III.  Abime des oiseaux                                    7.46
          (Klarinette)

[04] IV.   Intermède                                            1.39
          (Violine, Klarinette, Violoncello)

[05] V.    Louange a l'Éternité de Jésus                        8.07
          (Violoncello, Klavier)

[06] VI.   Danse de la fureur, pour les sept trompettes         6.04
          (Violine, Klarinette, Violoncello, Klavier (unisono))

[07] VII.  Fouillis d'arcs-en-ciel, pour l'Ange qui annonce
          la Fin du Temps                                      7.13
          (Violine, Klarinette, Violoncello, Klavier)

[08] VIII. Louange à l'Immortalité de Jésus                     8.28
          (Violine, Klavier)


Thema und Variationen tür Violine & Klavier 

[09] Thème: Modéré                                              2.04

[10] 1. Variation - Modéré                                      2.11

[11] 2. Variation - Un peu moins modéré                         1.06

[12] 3. Variation - Modéré, avec éclat                          0.53

[13] 4. Variation - Vif et passionné                            1.17

[14] 5. Variation - Très modéré                                 4.44


TOTAL                                                          58.57


Yvonne Loriod, Klavier
Christoph Poppen, Violine
Manuel Fischer-Dieskau, Violoncello
Wolfgang Meyer, Klarinette

Aufgenommen: XI.1990, Église Notre-Dame du Liban, Paris (In Anwesenheit des Komponisten)
Produzent: Gerd Berg
Tonmeister: Hartwig Paulsen
Design concept: Smith & Milton
Cover painting: Francis Danby
Editorial: David Ashman
(P) 1991, (C) 2002


Tom Phillips: Portrait of Olivier Messiaen (Vingt Regards), 1993 (French National Collection)
WEBFUNDE:

Gute Biographien und Werksverzeichnisse finden sich bei Wikipedia (Deutsch) bzw. (Französisch) und bei IRCAM.

Malcolm Ball betreibt eine private Fanpage über Messiaen, die sehr bunt und enthusiastisch ausfällt.

Ein ganz anderes Kaliber ist Theodor Albertus Magnus Frey (er signiert seine künstlerischen Werke mit TAM). Seine Messiaen-Seite ist eingebunden in ein breiteres Interesse an Philosophie, Theologie, Kunst, und glänzt durch dezente Farb- und Sinngebung.

Wolfgang Fulda steuert eine ausführliche musikalische Analyse des "Quatour pour la Fin du Temps" bei.
Die Abbildung der Uraufführungsankündigung habe ich einem französischen Blog entnommen.

Messiaens Portrait wurde von Tom Phillips selbst in seinem Blog veröffentlicht, und wird hier daher vermutlich mit Erlaubnis reproduziert.

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12. Dezember 2008

Giacinto Scelsi: Streichquartette, Streichtrio, Khoom (Arditti String Quartet)

Als Kind, so geht die Legende, habe Giacinto Scelsi oft tagelang am Klavier gesessen und immer nur einzelne Töne angeschlagen. Gebannt und mit höchster Aufmerksamkeit habe er ihnen bis zum völligen Verklingen nachgelauscht. Auch später als Erwachsener soll er sich in einer psychischen Krise noch einmal dieser exzessiven Ein-Ton-Therapie hingegeben haben. Was der Italiener da wohl alles vernommen hat? Nicht gehört hat er auf jeden Fall, was die Musik nach landläufiger Definition ausmacht – die Aufeinanderfolge von Tönen, ihr Zusammenklingen in Rhythmus, Melodie, Harmonik. Wahrgenommen haben seine Ohren anderes: das Pulsieren der Energie im Inneren der Töne, das Schillern der Klangfarbe in geheimnisvollen Glissando- und Wirbelbewegungen, Raumdimensionen des Klangs in Kugelform und Obertöne, die in die Sphären der Mikrotonalität führen.

Aus solchen Phänomenen hat Giancinto Scelsi dann eigene Musik geformt. Die schrieb er nicht, wie andere Komponisten, auf Notenpapier, sondern improvisierte sie auf einer Ondioline, einem seltsamen Instrument aus der Frühzeit der elektronischen Musik, das anders als das Klavier nicht auf Halbtonschritte festgelegt ist. In Augenblicken musikalischer Erleuchtung spielte Scelsi frei und spontan und ließ dabei ein altes Uher-Tonband mitlaufen. Hunderte von Bändern stapelten sich in seiner Wohnung, und manche der Improvisationsentladungen, die er für gelungen hielt, gab er an bezahlte Sekretäre weiter, die sie für ihn aufschrieben und in Partiturform brachten.

Eines der seltenen Bilder Sceltis, diesmal aus jüngeren Jahren

Die verrückten Geschichten, die sich um Giacinto Scelsi ranken, klingen am besten, wenn man sie ungläubig raunt; der Italiener ist eine geheimnisumwitterte Figur der neuen Musik. Conte Giacinto Francesco Maria Scelsi d’Ayala Valva lautet sein vollständiger Name, geboren 1905 und 1988 gestorben. Er war wohlhabender Spross eines Adelsgeschlechts aus La Spezia. Um das Bekanntwerden seiner Musik, gar um Aufführungen seiner Werke hat er sich nie gekümmert. Als Künstler-Ich wollte er nicht in Erscheinung treten. Indienreisender und Yogaschüler war er, buddhistisch geprägt, glaubte an die Reinkarnation und dass er schon 2637 vor Christus in Mesopotamien auf die Welt gekommen war – soweit man solchen Angaben trauen darf. Denn seine biografischen Spuren hat Scelsi sorgfältig verwischt, manches bewusst gefälscht, Fotografien von sich unter Verschluss gehalten und nur ein Symbol als Zeichen seiner Identität zugelassen – einen Kreis, der über einer horizontalen Linie schwebt: »Es kann als Zen-Symbol interpretiert werden oder als Sonne über dem Horizont oder als große unterstrichene Null.«

Quelle: Claus Spahn: Der Graf mit der Null, © DIE ZEIT, 23.08.2007 Nr. 35

TRACKLIST

GIACINTO SCELSI

Arditti String Quartet
Michiko Hirayama, soprano
Frank L1oyd, cor
Maurizio Ben Omar, percussion
Aldo Brizzi, direction


Disque I

[01] à [04] Quatuor à cordes No 1 (1944)          31'37"

[05] à [08] Trio à Cordes (1958)                  13'17"

[09] à [13] Quatuor à cordes No 2 (1961)          17'24"

Duree totale                                      63'21"


Disque II

[01] à [07] Khoom (1962)                          20'47"
        pour soprano et 6 instruments

[08] à [12] Quatuor à cordes No 3 (1963)          18'42"

      [13] Quatuor à cordes No 4 (1964)           9'55"

      [14] Quatuor à cordes No 5 (1974/85)        6'32"

Duree totale                                      58'25"

(C) (P) 1990

Das Klavier, die Ondiole und andere Instrumente aus dem Besitz von Giacinto Scelsi, die heute im Museum Casa Scelsi aufbewahrt werden. Foto Archivio Fondazione Isabella Scelsi

WEBLINKS:

Die einzige authentische Quelle zu Leben und Werk ist die Fondazione Isabella Scelsi, deren Internetauftritt auch das Onlinemagazin La Rivista umfaßt (ab Nr. 10 als vollständige PDF-Dokumente verfügbar).

Werksverzeichnisse bzw. Diskographien werden von mehreren Stellen angeboten, so von der Fondazione selbst, von Wikipedia, vom Centre de Documentation de la Musique Contemporaine, vom Musikverlag Éditions Musicales.

Die Monographie von Markus Bandur ist original erschienen in: Komponisten der Gegenwart, edition text+kritik, 2007, S. 1-44.

Von den englischen Artikeln empfehle ich noch den von Alex Ross aus dem New Yorker, Nov. 21, 2005, sowie die Biographie bei Classical Net.

Der bereits im Zusammenhang mit Artur Schnabel erwähnte Wolke-Verlag bereitet eine Werkausgabe der Schriften Giacinto Scelsis vor, über die aber noch wenig bekannt ist.

Nachdem Sie das alles gelesen haben, dürfen Sie dann auch die Musik downloaden und anhören:

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9. Dezember 2008

Franz Schmidt (1874-1939): Klavierquintette für die linke Hand

Paul Wittgenstein (1887–1961), der ältere Bruder des bekannten Philosophen Ludwig Wittgenstein, debütierte als Pianist am 26. Juni 1913 im Wiener Musikverein und verlor kurz nach Kriegsbeginn seinen rechten Arm. Er setzte unbeirrt seine Karriere fort und arrangierte Werke von Beethoven, Brahms, Chopin, Grieg, Haydn, Mendelssohn-Bartholdy, Meyerbeer, Mozart, Puccini, Schubert, Schumann und Wagner für die linke Hand allein. Als Sohn des "Krupps der Habsburger Monarchie" verfügte er über die Mittel, bei den namhaftesten zeitgenössischen Musikern Kompositionen in Auftrag zu geben, und ließ sich u.a. von Britten, Hindemith, Korngold, Prokofjew, Ravel und Strauss Klavierkonzerte und Kammermusik schreiben.

Auch die beiden Quintette (G-Dur, 1926, und B-Dur, 1932) von Franz Schmidt (1874-1939) sind Auftragswerke von Paul Wittgenstein: "Was zunächst als Beschränkung anmutet, erweist sich gerade in den Klavierquintetten von Franz Schmidt als bemerkenswerter Gewinn. Der weitgehende Verzicht auf volltönende Harmonik, Virtuosität und polyphone Textur läßt den Hörer die Möglichkeiten des Klaviers neu erleben: das Klavier erscheint als tatsächlich gleichberechtigter Partner. Franz Schmidt nutzt im Linearen alle nur möglichen Register - bei aller Klanglichkeit bleibt der Klavierpart jedoch immer durchsichtig und klar. Die vorliegende Einspielung bringt zum ersten Mal die originale einhändige Fassung und nicht die von Friedrich Wührer seinerzeit hergestellte Version für zwei Hände, die einer weiteren Verbreitung der Werke dienen sollte." (Ursula Brandstätter im Booklet)

Franz Schmidt. Gemälde von H. Kamper (© Archiv der Wiener Philharmoniker, Wien).

Der Graphiker (das Booklet benennt ihn "CC Schriefer, München") hat offensichtlich das Gemälde von H. Kamper (oder eine Vorzeichnung dafür) auf das CD Cover montiert, und dabei Zigarette und Zigarettenspitz wegretuschiert. Über den Grund dieser Schamhaftigkeit kann nur spekuliert werden. (Ist Tabakwerbung auf Tonträgern auch schon von der EU verboten worden?) CC Schriefer hat auch der billigen Versuchung widerstanden, die auffällig unnatürliche Handhaltung durch das Einfügen z.B. einer Flöte zu kaschieren.

TRACKLIST

FRANZ SCHMIDT (1874-1939)


Quintett No,l G-Dur  (1926)
für Klavier. zwei Violinen, Viola und Violoncello
Urfassung für die linke Hand

[1] Lebhaft, doch nicht schnell             (12'09)
[2] Adagio                                  (11'37)
[3] Sehr ruhig - lebhaft                     (8'41)
[4] Sehr lebhaft                             (6'52)


Quintett No. 2 B-Dur  (1932)
für Klavier, Klarinette, Violine, Viola und Violoncello
Urfassung für die linke Hand

[5] Andante tranquillo                      (12'35)
[6] Lento - Allegro vivace                  (15'33)
[7] Allegro ma non troppo                   (10'14)


Gesamtzeit                                  (78'03)

Rainer Keuschnig -  Klavier (linke Hand)
Ernst Ottensamer - Klarinette
Josef Hell - 1. Violine
Peter Wächter - 2. Violine
Peter Pecha - Viola
Gerhard Iberer ([1]-[4]) , Leonhard Wallisch ([5]-[7]) - Violoncello


Recording: 7. Januar 1991, ORF-Funkhaus ([1]-[4]), 13. Januar 1986, ORF-Funkhaus ([5]-[7])
Recording Supervision: Hans Moralt
Recording Engineer: Kurt Kindl, Josef Schütz ([1]-[4])
©® 1992

Paul Wittgenstein (links), Helmut Qualtinger (rechts). Quelle http://www.lamatsch.at/

Lea Singer hat Paul Wittgensteins Leben zu dem Buch "Konzert für die linke Hand" verarbeitet (Hoffmann und Campe, Hamburg 2008, 464 Seiten).

Das von Wittgenstein bei Hindemith bestellte Opus 29 war jahrzehntelang verschollen. Die spannende Geschichte seiner Wiederentdeckung wurde von Schott veröffentlicht.

Musik von Friedrich Wührer wurde kürzlich von meinem Bloggerfreund Neal in seiner Historischen Ecke veröffentlicht:
Friedrich Wührer spielt Schumann (Vox LP)
Konzerte von Weber, Mendelssohn, Rubinstein, Tschaikowski

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Reposted on May 8, 2015

Diese Veröffentlichung widme ich Horacio und seinem Blog La Discoteca Clasica. Franz Schmidt, von dessen reichhaltigem Werk nur das Oratorium Das Buch mit sieben Siegeln und seine Vierte Symphonie bekannt sind, passt gut in die Reihe der Vernachlässigten Komponisten, deren Andenken Horacio mit Liebe und Leidenschaft pflegt.

5. Dezember 2008

J. S. Bach: Die Kunst der Fuge (Gustav Leonhardt, Cembalo, 1953)

Im Mai 1953 spielte der damals 25-jährige Gustav Leonhardt in Wien Johann Sebastian Bachs "Kunst der Fuge" ein. Dem zuvorgegangen waren aufsehenerregende Aufführungen dieses Meisterwerkes in der Londoner Wigmore Hall, dem Wiener Brahmssaal und dem Concertgebouw in Amsterdam, die den internationalen Ruf des holländischen Cembalospielers begründeten.

"Die Kunst der Fuge", ohne Angabe zur Instrumentierung überliefert, wurde schon mit nahezu jeder Besetzung aufgeführt, während Leonhardt in seiner Monographie "The Art of the Fugue - Bach's Last Harpsichord Work: An Argument" (Nijhoff, The Hague, 1952) für das Cembalo als alleinige Originalbesetzung argumentiert:

1. War es im 17. und frühen 18. Jahrhundert nicht unüblich, Musik für Tasteninstrumente, wenn sie polyphon komplex war, in neutraler Notation zu veröffentlichen. Es gibt Beispiele dafür von Scheidt, Frescobaldi, Froberger, Maichelbeck.

2. Der Umfang von keinem Orchester- oder Ensembleinstrument, wie Bach sie benutzte, passt zum Umfang irgendeiner Stimme in der Kunst der Fuge. Bach, der sich auf Instrumentierung verstand, verwendet keines der von ihm in den Kammermusikwerken verwendeten "melodischen Muster".

3. Der Typ der Fugen entspricht jenen im "Wohltemperierten Klavier"; in seiner Kammermusik verwendet Bach andere Typen. (Leonhardt führt hier im einzelnen überzeugende "sichtbare" Belege an.)

Gustav Leonhardt, im Film "Chronik der Anna Magdalena Bach" von Jean-Marie Straub (1967) als Schauspieler in der Rolle Bachs.

4. Alles in der "Kunst der Fuge" kann leicht von zwei Händen erreicht werden
5. Wegen seiner beschränkten Möglichkeiten scheidet das Clavichord aus.
Leonhardt resümiert: "The Art of Fugue has been written with an extraordinary knowledge of the technical possibilities of ten fingers on a keyboard. The work does not only show Bach on his immense creative height, but also as the grandiose master of the keyboard."

TRACKLIST

J. S. BACH: ART OF FUGUE

Gustav Leonhardt, harpsichord

DISK ONE                                              49:54

01. Simple Fugue (Gr.I, D.I)                          05:11
02. Simple Fugue - theme inverted (Gr.III, D.II)      03:29
03. Simple Fugue (Gr.II, D.III)                       03:36
04. Simple Fugue - theme inverted (Gr.IV, D.IV)       07:30
05. Fugue in contrary motion (Gr.V, D.IX)             04:07
06. Double Fugue in the 12th (Gr.IX, D.VI)            02:47
07. Double Fugue in the 10th (Gr.X, D.VII)            05:15
08. Fugue in contrary motion, with diminution
  (Gr.VI, D.X)                                      04:10
09. Canon in the 10th (Gr.XIV, D.VIII)                06:37
10. Fugue in contrary motion, with double augmentation
  (Gr. VII, D.XI)                                   05:08
11. Canon in the 12th (Gr.XIII, D.V)                  01:59

DISK TWO                                              36:58

01. Canon in the octave (Gr.XII, D.XII)               02:31
02. Triple Fugue - three voice (Gr.VIII, D.XIII)      05:48
03. Triple Fugue - four voice (Gr.XI, D.XIV)          06:47
04. Canon in contrary motion, by augmentation
  (Gr.XV, D.XV)                                     03:22
05. Mirror Fugue (Gr.XVIIIa., D.XVI)                  03:03
06. Mirror Fugue - inverse of (5) (Gr.XVIIIb, D.XVII) 03:11
07. Mirror Fugue (Gr.XVIa., D.XVIII)                  02:38
08. Mirror Fugue - inverse of (7) (Gr.XVIb., D.XIX)   02:47
09. Unfinished Fugue, on B A C H (Gr.XIX, D.XX)       06:47


Recorded May 1953, in Vienna
Originally released as BG 532/3
Producer: Seymour Solomon
Engineer: Mario Mizzaro
Digital remastering: David Baker
(P) & (C) 2006

Im Mai 2008 erschien anläßlichs seines 80. Geburtstags die "Gustav Leonhardt Jubilee Edition", eine Box of 15 CDs, die für nur 24.99 Euro bei JPC erhältlich ist
[Informationen zur "Gustav Leonhardt Jubilee Edition"]
In der Zeitschrift organ ist 2000 ein Interview mit Gustav Leonhardt über seine Rolle als Pionier des "historischen" Bachspiels veröffentlicht worden.
Dieses Interview habe ich dem Online-Musik-Magazin Klassik.com entnommen, das ich meinen Lesern empfehlen kann.
Eigenlob: "Das klassik.com Neuheiten-Radio informiert Sie vorab exklusiv über interessante Neuerscheinungen zahlreicher Plattenlabels. Bereits ab 2 Wochen vor dem offiziellen Veröffentlichungstermin können Sie bei klassik.com die neuesten Produktionen anhören. Das Programm empfangen Sie 24 Stunden am Tag über Internet - ohne Werbeunterbrechungen, ohne Schmuseklassik, ohne Börsenkurse."

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Reposted on July 12, 2014

Andere Versionen der "Kunst der Fuge":

Als Streichquartet (Juilliard String Quartet)
Orchesterversion von Roger Vuatez (Hermann Scherchen)

2. Dezember 2008

Artur Schnabel: Streichquartette Nr 1 und 4, Sonate für Cello Solo

Der berühmte Pianist Artur Schnabel (1882-1951) ist auch als Komponist hervorgetreten. So stammen von ihm drei Symphonien, ein Klavierkonzert, Sonaten für Violine Solo (1919) bzw. Violine und Klavier (1935), und fünf Streichquartette. Auf der hier vorgestellten Doppel-CD präsentiert das kleine Label CP2 die Streichquartette Nr 1 (1918) und Nr 4 (1924) sowie die Sonate für Cello Solo (1931). In den Streichquartetten sind Einflüsse von Schönberg, Busoni, Reger, Hindemith und Krenek merk- oder zumindest ahnbar, "but in final analysis, the compositional voice is unique" (schreibt der Anonymus im Booklet).

Schnabels Kompositionen werden selten aufgelegt, eine Diskographie wurde von der Schnabel Music Foundation veröffentlicht. Das genannte Label CP2 hat sich der Pflege dieser zu Unrecht vernachlässigten Werke angenommen. (Bravo!)

Der 1980 gegründete Wolke Verlag veröffentlicht Bücher zur Musik, und einer der Programmschwerpunkte ist Artur Schnabel. In Zusammenarbeit mit Werner Grünzweig (Leiter der Musikarchive der Akademie der Künste, Berlin) und der Schnabel Music Foundation werden in den nächsten Jahren Bände mit Schriften und Briefen Artur Schnabels (in deutscher und englischer Ausgabe) erscheinen. Den Anfang bildeten 2007 „Musik und der Weg des größten Widerstands“ / “Music and the Line of Most Resistance”. Im Frühjahr 2009 wird die nach der aktuellen Quellenlage überarbeitete und erweiterte Fassung von „Aus dir wird nie ein Pianist“ / “My Life and Music” neu vorgelegt.

Artur Schnabel in der Villa Ginetta, Tremezzo, am Lago di Como, 1937

TRACKLIST

ARTUR SCHNABEL (1882-1951)

STRING QUARTETS NO 1 & 4 - SONATA FOR CELLO

CD 1                                          50:28

STRING QUARTET NO. 1  (1918)

[1] I.   Allegro energico e con brio          12:44
[2] II.  Andantino grazioso                   10:15
[3] III. Larghetto                            19:07
[4] IV.  Prestissimo                           7:58

THE WHITMAN QUARTET
Michael Shih
Patty Sun Woo
Daniel Paneer
Kristina Cooper


CD 2                                          67:57

STRING QUARTET NO. 4  (1924)
[1] I.   Molto moderato                       10:59
[2] II.  Andante grazioso                      5:42
[3] III. Resoluto e fiero e con passione      12:21

[4] III. Resoluto e fiero e con passione      12:33
       (with alternate ending)

A NEW YORK CITY FREELANCE QUARTET
Curtis Macomber
Joanna Maurer
Masumi Rostad
Fred Sherry


SONATA FOR CELLO  (1931)
[5] I.   Allegro con moto                      5:31
[6] II.  Allegretto                            3:06
[7] III. Larghetto                             7:45
[8] IV.  Vivace ma non troppo                  8:59

JOEL KROSNICK, Cello


Recordings: Clinton Recording Studios Inc, Studio A, New York City
June 1998 (CD 1), March/April 2000 (CD 2)
(C) + (P) 2004

Paul Zukofsky

Paul Zukofsky (* 1943), Geiger, Dirigent, Musikerzieher und ehemaliges Wunderkind, war bei der Produktion der vorliegenden CD für "all edit choices" und "pre and post-production supervision" verantwortlich.
"Paul Zukofsky has devoted more time and effort (and love!) to A. Schnabel's music than anybody we know of. His reputation as a premier Schnabel interpreter and scholar is firmly established." (Schnabel Music Foundation)

More Artur Schnabel

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Reposted on February 13, 2015

27. November 2008

Arnold Schönberg: Verklärte Nacht op 4 (für Streichsextett) & Streichtrio op 45 - LaSalle Quartet

»Gestern Abend hörte ich die Verklärte Nacht, und ich würde es als Unterlassungssünde empfinden, wenn ich Ihnen nicht ein Wort des Dankes für ihr wundervolles Sextett sagte. Ich hatte mir vorgenommen, die Motive meines Textes in Ihrer Composition zu verfolgen; aber ich vergaß das bald, so wurde ich von der Musik bezaubert.« (Richard Dehmel an Arnold Schönberg, 12. Dezember 1912)

Arnold Schönbergs op. 4 entstand in nur drei Wochen im September 1899 während eines Ferienaufenthalts mit Alexander von Zemlinsky und dessen Schwester Mathilde – Schönbergs erster Frau – in Payerbach an der Rax. Die Endfassung des Manuskripts ist mit 1. Dezember 1899 datiert.

Das Sujet jener Programmusik, die »sich darauf beschränkt, die Natur zu zeichnen und menschliche Gefühle auszudrücken« (Schönberg), ist das Gedicht »Verklärte Nacht« von Richard Dehmel aus der 1896 veröffentlichten Sammlung »Weib und Welt«. Die fünf Strophen des Gedichts schildern in inhaltlich klar differenzierten Abschnitten: eine Waldszene mit zwei Menschen (Nr. 1, 3, 5); die Rede der Frau, die einen Mann liebt, jedoch von einem Anderen ein Kind erwartet und sich selbst anklägt (Nr. 2); die Rede des Mannes, der die Frau tröstet und das Kind des Anderen als sein eigenes annehmen will (Nr. 4).
(Quelle: Arnold Schönberg Center)

1917 sowie 1943 wurden Orchesterfassungen des Streichsextetts von Schönberg selbst veröffentlicht, und die zweite Fassung ist weit populärer als das ursprüngliche kammermusikalische Werk geworden, das ich hier vorstellen möchte. Die Einspielung aus dem Jahre 1982 erfolgte durch das LaSalle Quartet.

Als Zugabe befindet sich auf der CD Schönbergs Streichtrio op. 45, das ich bereits einmal veröffentlicht habe (Aufnahme durch das Wiener Streichtrio, 1986)

TRACKLIST

ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951)


VERKLÄRTE NACHT OP. 4 (1899) 
Streichsextett nach dem Gedicht von Richard Dehmel
Transfigured Night
String Sextet after the poem by Richard Dehmel
La Nuit Transfigurée
Sextuor à cordes d'après le poème de Richard Dehmel
Notte trasfigurata
Sestetto per archi dalla poesia di Richard Dehmel

[01] Sehr langsam (bar/Takt/mesure/battuta 1)      6'25
[02] Breiter (bar 200)                             5'28
[03] Schwer betont (bar 201)                       2'10
[04] Sehr breit und langsam (bar 229)              9'47
[05] Sehr ruhig (bar 370)                          3'49

LASALLE QUARTET
Walter Levin, 1st violin
Henry Meyer, 2nd violin
Peter Kamnitzer, viola (alto)
Lee Fiser, violoncello
*
Donald McInnes, 2nd viola
Jonathan Pegis, 2nd violoncello


STRING TRIO OP. 45 (1946) 
Streichtrio - Trio à cordes - Trio per archi

[06] Part 1                                        2'10
[07] 1st Episode                                   5'20
[08] Part 2                                        3'06
[09] 2nd Episode                                   2'40
[10] Part 3                                        5'17

Walter Levin, 1st violin
Peter Kamnitzer, viola
Lee Fiser, violoncello


TOTAL:                                            46'28


Recording: Hamburg (Harburg), Friedrich-Ebert-Halle, 11/1982 (op. 4)
bzw. 12/1982 (op. 45)
Production and Recording Supervision: Rainer Brack
Balance Engineer: Klaus Scheibe (op. 4), Wolfgang Mitlehner (op. 45)
® + © 1984


Richard Dehmel

Verklärte Nacht


Zwei Menschen gehn durch kahlen, kalten Hain;
der Mond läuft mit, sie schaun hinein.
Der Mond läuft über hohe Eichen,
kein Wölkchen trübt das Himmelslicht,
in das die schwarzen Zacken reichen.
Die Stimme eines Weibes spricht:

Ich trag ein Kind, und nit von Dir,
ich geh in Sünde neben Dir.
Ich hab mich schwer an mir vergangen.
Ich glaubte nicht mehr an ein Glück
und hatte doch ein schwer Verlangen
nach Lebensinhalt, nach Mutterglück
und Pflicht; da hab ich mich erfrecht,
da ließ ich schaudernd mein Geschlecht
von einem fremden Mann umfangen,
und hab mich noch dafür gesegnet.
Nun hat das Leben sich gerächt:
nun bin ich Dir, 0 Dir begegnet.

Sie geht mit ungelenkem Schritt.
Sie schaut empor; der Mond läuft mit.
Ihr dunkler Blick ertrinkt in Licht.
Die Stimme eines Mannes spricht:

Das Kind, das Du empfangen hast,
sei Deiner Seele keine Last,
o sieh, wie klar das Weltall schimmert!
Es ist ein Glanz um Alles her,
Du treibst mit mir auf kaltem Meer,
doch eine eigne Wärme flimmert
von Dir in mich, von mir in Dich.
Die wird das fremde Kind verklären,
Du wirst es mir, von mir gebären;
Du hast den Glanz in mich gebracht,
Du hast mich selbst zum Kind gemacht.

Er faßt sie um die starken Hüften.
Ihr Atem küßt sich in den Lüften.
Zwei Menschen gehn durch hohe, helle Nacht.


Marianne Monnier-Koenig: Die verklärte Nacht, 2002, Privatbesitz

Marianne Monnier-Koenig, * 12.12.1955, verheiratet, lebt in Bex in der West-Schweiz und stellt ihre künstlerischen Werke auch im Internet aus.

Zum Streichtrio op 5 finden sich Kommentare über Schönbergs "humoristische Darstellung seiner Krankheit" sowie von Martin Hufner, Regensburg.

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Reposted on June 6, 2014

24. November 2008

Charles Ives: Streichquartette

Seine Kompositionen schrieb Ives für sich selbst. In eine musikalische "Richtung" läßt er sich nicht einordnen. Ohne jeden Kontakt mit der europäischen Musik hat er um die Jahrhundertwende, vor Schönberg und Strawinsky, atonal und polytonal komponiert. Er experimentierte mit Vierteltönen und Zufallselementen, mit Raumklangwirkungen und collageartigen Zitaten aus der Trivial- und Volksmusik. "Charles Ives hat den Anspruch darauf, als Amerikas bisher bedeutendster Komponist zu gelten, nicht bloß wegen der Originalität und Vitalität seiner Musik, sondern weil er auf dem Gebiet der Musik die wertvollsten Züge des Amerikanismus repräsentiert." (Ernst Krenek, 1954)
(Quelle: Wolfgang Ludewig, in: Reclams Kammermusikführer, 13. Auflage, Reclam, Stuttgart 2005, ISBN 3-15-010576-5, Seite 857)

Das erste Streichquartett entstand 1896, als Ives in Yale bei Horatio Parker das zweite Jahr Komposition studierte. Als musikalische Quellen verwendete der junge Student Erweckungs- und Gospelhymnen, mit denen er seit seiner Kindheit vertraut war. Das Quartett ist mit seiner Energie und dem Einfallsreichtum ein frühes Beispiel für die originelle Schöpferkraft des Charles Ives.

Charles Ives (1874-1954)

Mit dem zweiten Streichquartett beschäftigte sich Ives von 1911 und 1913, und es entstand aus einem seiner typischen "Wutanfälle", der sich gegen das "Weibische" herkömmlicher Streichquartettaufführungen richtete. "Nach einem jener Kneisel-Quartettabende begann ich eine Streichquartettpartitur, teils wütend, teils im Spaß, und teils auch als Experiment, Übung oder Scherz, mit dem Zweck, diese Fiedler zu zwingen, sich auf die Hinterbeine zu stellen und einmal wie richtige Männer zu handeln." Die vollendete Partitur spiegelt diese Kombination aus Wut und Vergnügen, aber auch die spirituellen Interessen wider. Das Programm des Quartetts faßt Ives so zusammen: "Vier Männer - miteinander reden, diskutieren, streiten ... man prügelt sich, reich sich die Hand - und dann erklimmen sie einen Berg, um das Firmament zu betrachten."

(Quelle: Jim Lovensheimer, bearb. Cris Posslac, im Booklet)

Track 7: Streichquartett Nr 2, II. Arguments (Allegro con spirito)


CHARLES IVES
(1874-1954)

STRING QUARTETS


String Quartet No. 1: From the Salvation Army (1896)           21:46

[1] Chorale (Andante con moto)                                  5:02
[2] Prelude (Allegro)                                           5:54
[3] Offertory (Adagio cantabile)                                5:35
[4] Postlude (Allegro marziale)                                 5:16


[5] Scherzo (ca. 1907-14)                                       1:42


String Quartet No. 2 (1911-13)                                 26:59
[6] Discussions (Andante moderato - Andante con spirito       
- Adagio molto)                                            10:08
[7] Arguments (Allegro con spirito)                             4:53
[8] The Call of the Mountains (Adagio - Andante - Adagio)      11:49


BLAIR STRING QUARTET
Christian Teal - violin
Cornelia Heard - violin
John Kochanowski - viola
Felix Wang - cello


PLAYING TIME                                                   50:19

Recorded at Ingram Hall. Blair School of Music, Vanderbilt University, Nashville, Tennessee,
on 5th, 6th and 8th March 2004.
Producer and engineer: Larry Combs
Publisher: Peer International Corporation, New York
Cover image: "New England" by Grenville Staines

The Blair String Quartet: (clockwise from top) John Kochanowski, viola - Cornelia Heard, violin - Christian Teal, violin - Felix Wang, cello

Das Blair String Quartet besteht aus Professoren der Blair School of Music, Vanderbilt University, Nashville, Tennessee.

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Reposted on October 23, 2014

20. November 2008

Gustav Mahler: Das Lied von der Erde (Version für "kleines Ensemble" von Arnold Schönberg und Rainer Riehn)

Mit dem Lied von der Erde setzt das Spätwerk Gustav Mahlers ein, in dem er zu einer deutlich anderen Tonsprache als in seinen früheren Kompositionen fand. Mahler begann mit der Komposition im Jahr 1907, in dem ihn drei schwere Schicksalsschläge trafen: Mahlers Tochter Maria Anna war im Alter von vier Jahren an Diphtherie gestorben. Nach einer antisemitisch motivierten Pressekampagne gegen seine Person hatte er als Direktor der Wiener Hofoper zurücktreten müssen. Und es wurde eine schwere Herzkrankheit diagnostiziert, die vier Jahre später zu seinem Tod führte.

Das Lied von der Erde besteht aus sechs Teilen, in denen Mahler jeweils ein Gedicht aus der Gedichtsammlung „Die chinesische Flöte“ von Hans Bethge (1876-1946) vertont hat. Bethge wiederum hatte die altchinesischen Gedichte, die ihm in der Französischen Übertragung von Marquis D'Hervey de Saint-Denys vorlagen, ziemlich frei, aber genial, nachgedichtet.

Li Bai (Li-Tai-Po): Banquet at Tao’s Family Pavilion (= Von der Jugend)

Das Trinklied vom Jammer der Erde (Li-Tai-Po [701–762])
Der Einsame im Herbst (Tschang-Tsi [ca. 765–ca. 830])
Von der Jugend (Li-Tai-Po)
Von der Schönheit (Li-Tai-Po)
Der Trunkene im Frühling (Li-Tai-Po)
Der Abschied (Mong-Kao-Yen [689/691–740] und Wang-Wei [698–761])


(Zusammenstellung der vollständigen Texte in Originalfassung, Fassungen von Marquis D'Hervey de Saint-Denys und Hans Bethge sowie Mahlers Änderungen)

(Auch andere Werke von Hans Bethge haben zahlreiche Vertonungen erfahren)


Die Texte ließen Mahler zu einer Reduziertheit und Kargheit der Tonsprache finden, die in krassem Gegensatz zu dem Aufgebot von Riesenorchestern und -chören seiner früheren Werke steht. Mahler vermied den Titel „Sinfonie“, da er Angst hatte, dass eine 9. Sinfonie wie bei seinen Vorbildern Ludwig van Beethoven und Anton Bruckner seine letzte sein könnte. Allerdings genügt das Werk den Formkriterien der Sinfonie ebenso wie die anderen späten Mahler-Sinfonien, so dass es mit gleichem Recht als Liederzyklus und als Sinfoniekantate angesehen werden kann. Das Werk – das rund zwei Jahre vor der 9. Sinfonie entstand – verunsicherte die Kunstwelt erheblich, zum einen wegen seiner ungewöhnlichen orchestralen Dichtung, andererseits wegen seiner Stimmung.
(Quelle: Wikipedia)
Die chinesische Flöte. Nachdichtungen chinesischer Lyrik. Leipzig, Insel Verlag 1907 (1935: Insel-Bücherei 465), ISBN 3-9806799-5-0

Arnold Schönberg, der die Musik Mahlers schätzte, und seine Lehrtätigkeit auf der Analyse der Meisterwerke des Fin de siècle aufbaute, verwendete die Praxis der Transkription sowohl für die Lehre als auch zur "Erziehung des Publikums" im Rahmen des von ihm 1918 gegründeten "Vereins für musikalische Privataufführungen in Wien", dessen Grundsätze von Alban Berg folgendermaßen formuliert wurden:

"1. Klare, gut studierte Aufführungen.
2. Oftmalige Wiederholungen.
3. Die Aufführungen müssen dem korrumpierenden Einfluß der Öffentlichkeit entzogen werden, das heißt, sie dürfen nicht auf Wettbewerb gerichtet und müssen unabhängig sein von Beifall und Mißfallen."
und
"Deshalb soll auch keine Richtung bevorzugt und nur das Wertlose ausgeschlossen werden, im übrigen aber alle moderne Musik, von Mahler und Strauss bis zu den jüngsten, die da sonst fast nicht oder nur unzulänglich zu Wort kommen, dargebracht werden."
Man wählte reduzierte Transkriptionen, aus materiellen Zwängen, aber auch, um die Stücke auf das Wesentliche reduziert hören zu können. Berg sagte dazu: "moderne Orchesterwerke - aller Klangwirkung, die nur das Orchester auslöst, und aller sinnlichen Hilfsmitten entkleidet - hören und beurteilen".

Im Rahmen des Vereins entstanden etwa Transkriptionen der 6. und 7. Sinfonien Gustav Mahler für Klavier vierhändig, der 4. Sinfonie und der "Lieder eines fahrenden Gesellen" für Kammerensembles (durch Erwin Stein und durch Schönberg), und auch von Schönbergs op. 16 oder seiner 1.Kammersinfonie.

Als der Verein 1921 aus finanziellen Gründen aufgeben musste, war die geplante Transkription Schönbergs von "Das Lied von der Erde" immerhin soweit gediehen, dass in der Partitur für großes Orchester Anweisungen von Schönberg für die reduzierte Instrumentierung eingetragen waren. Diese "skizzierte Transkription" hat Reiner Riehn 1983 dann ausgearbeitet.

(Quelle: Booklet, sowie Arnold Schönberg Center)

TRACKLIST

GUSTAV MAHLER
Das Lied von der Erde
The song of the Earth
Le Chant de la Terre
komponiert 1908-1909 für großes Sinfonieorchester
(Uraufführung 20. November 1911)

Transkription für Kammerorchester ("kleines Ensemble")
von ARNOLD SCHÖNBERG (1921) & RAINER RIEHN (1983)
(Uraufführung Juli 1983)
    

[1] Das Trinklied vom Jammer der Erde. Allegro pesante          8'05
Drinking song of the world's misery
Chanson à boire de la douleur de la Terre
(Li-Tai-Po [701-762])

[2] Der Einsame im Herbst. Etwas schleichend. Ermüdet           9'17
The lonely man in autumn
Le solitaire en automne
(Tschang-Tsi [ca. 765-ca. 830])

[3] Von der Jugend. Behaglich heiter                            3'43
Of youth
De la jeunesse
(Li-Tai-Po)

[4] Von der Schönheit. Comodo. Colcissimo                       7'23
Of beauty
De la beauté
(Li-Tai-Po)

[5] Der Trunkene im Frühling. Allegro                           4'39
The drunk man in spring
L'homme ivre au printemps
(Li-Tai-Po)

[6] Der Abschied. Schwer                                       28'54
The farewell
L'adieu
(Mong-Kao-Yen [689/691-740] und Wang-Wei [698-761])

TOTALE                                                         62'40

Birgit Remmert, alto
Hans Peter Blochwitz, ténor
Ensemble Musique Oblique
Dir. Philippe Herreweghe

Enregistrement avril 1993 dans la Grande Salle de l'Arsenal de Metz
(P) 1994, 2006


Giovanni Segantini: Die bösen Mütter, 1894, Österreichische Galerie Belvedere

Giovanni Segantini (1858-1899) war ein Meister des realistischen Symbolismus, der als früher Vertreter der Pleinairmalerei mit einer eigenständigen pointillistischen Maltechnik eindrucksvolle Bilder der Hochgebirgswelt schuf. Im Wiener Belvedere hängt eines seiner Hauptwerke, Die bösen Mütter, die Umsetzung konservativster mythologischer Inhalte in modernste malerische Form.

CD Info and Scans (Tracklist, Covers, Booklet, Music Samples, Pictures) 12 MB
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Reposted on September 05, 2014

17. November 2008

Tschaikowski bzw. Arenski: Klaviertrios

Von Pjotr Iljitsch Tschaikowski (über die Namensschreibweise wird bei Wikipedia ausführlich diskutiert), stammt nur ein einziges Klaviertrio, "ein kammermusikalisches Requiem, dem Andenken seines Freundes und künstlerischen Mitstreiters Nikolaj Rubinstein gewidmet. Von daher erklärt sich auch die aus dem traditionellen Rahmen fallende Form des ausdrucksstarken Werkes, das in zwei große Hauptteile gegliedert ist."

"Mit einer molto espressivo vom Cello vorgetragenen, um Quinte und Grundton kreisenden, russisch gefärbten Klagemelodie beginnt das Pezzo elegiaco. Und mit der gleichen Elegie, nun zum Andante con moto gebremst und zunächst ins dreifache Forte gesteigert, endet schließlich auch das ganze Trio, über trauermarschartigen Klavierrhythmen endgültig im ppp verdämmernd."

Ein russisches Lied wird zum Thema der 11 Variationen in Teil II A (E-Dur, c), die eine ausdrucksvoll-farbige Reihe bilden: 1. Melodie als Cantus firmus in der Geige 2. desgleichen im Cello 3. Thema 2fach verkürzt im Klaver 4. leicht variiert und imitierend in allen drei Instrumenten 5. Im Klavierdiskant 6. Tempo di Valse, gedehnt 7. energisch 8. Fuge 9. cis-Moll-Klage mit gedämpften Streichern und zarten Klavierarpeggien 10. Tempo di Mazurka 11. Ausklang in der Tonika. Den Abschluß (Teil II B) bildet das Rondo-Finale (A-Dur, c) als selbständige 12. Variation mit dem rhythmisch veränderten Thema.

Der junge Tschaikowski

(Quelle: Arnold Werner-Jensen, in: Reclams Kammermusikführer, 13. Auflage, Reclam, Stuttgart 2005, ISBN 3-15-010576-5, Seite 717-19)
 
TRACKLIST


TSCHAIKOWSKI - ARENSKI: PIANO TRIOS


PJOTR ILJITSCH TSCHAIKOWSKI (1840-1893)
Piano Trio Op. 50
Composed 1881/82, "à la memoire d'un grand artiste"

[1] Pezzo Elegiaco (17:41)
[2] Theme and Variations (20:20)
[3] Finale e Coda (11:44)



ANTON STEPANOWITSCH ARENSKI (1861-1906)

Piano Trio Op. 32

[4] Allegro moderato (9:46)
[5] Scherzo (6:30)
[6] Elegia (7:01)
[7] Finale (6:15)



Vovka Ashkenazy, Piano
Richard Stamper, Violin
Christine Jackson, Cello

Playing Time: 79'29"


Recorded at Clara Wieck Auditorium, Heidelberg, in November 1990.
Producer: Günter Appenheimer
Music Notes: David Denton
Cover Painting by Ivan Shishkin
(P) & (C) 1992


Nadescha von Meck (1831-1894), über 14 Jahre Mäzenin von Tschaikowski. Im Verlauf dieser Brieffreundschaft wurden 1204 Briefe gewechselt.

Ungewöhnlich war die einvernehmliche Abmachung, auf persönliche Begegnungen zu verzichten. Tatsächlich kam es während der gesamten Zeit des Briefkontakts nur zu einzelnen, flüchtigen Begegnungen von ferne, bei denen kein Wort gewechselt wurde. Dennoch genossen sie zuweilen den Reiz, die Nähe des jeweiligen Briefpartners zu spüren. Nadeschda von Meck lud den Komponisten während ihrer Abwesenheit mehrfach auf ihre Güter ein, und beide verbrachten wiederholt Auslandsaufenthalte zu gleicher Zeit in der selben Stadt, wobei Ausfahrten so terminiert wurden, dass keine direkte Begegnung stattfand. (Quelle: Wikipedia)


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Reposted on May 29, 2014

13. November 2008

Alexander Borodin: Streichquartette (Haydn Quartet, Budapest)


Alexander Borodin (1833-1887) hat sein musikalisches Werk neben seiner Tätigkeit als Militärarzt und Professor für Organische Chemie geschaffen. Er war jedoch kein Autodidakt, sondern studierte bei Balakirew Harmonielehre und Komposition, und schloß sich 1862 der "Gruppe der Fünf" (alias "Das mächtige Häuflein") an, einer nationalrussischen Komponistenschule um Mussorgski und Rimski-Korsakow. "Dieser in manchen Fragen recht radikalen Gruppierung folgte er jedoch nicht in allen Belangen; so verneinte er in seinen Werken alle Programmatik. Auf der anderen Seite entsprach es geradezu vorbildlich ihren selbstgestellten Regeln, daß er sich mit dem größten Teil seiner Schaffenskraft dem sozialen Dienst an der Menschheit widmete."

"Das wiederum hatte zur Folge, daß seine Kompositionen jeweils eine mehr oder weniger lange Reifezeit benötigten und daß es überhaupt so wenige bleiben mußten. Um so verblüffender ist, daran gemessen, ihre große handwerkliche Meisterschaft und die Weite und Intensität ihrer künstlerischen Aussagekraft. Auf dem Gebiet der Kammermusik haben vor allem seine beiden Streichquartette Weltgeltung erlangt, während man hierzulande von seinem Streichsextett (1860) und seinem Klavierquintett (1862) keine Notiz nimmt."

(Arnold Werner-Jensen, in: Reclams Kammermusikführer, 13. Auflage, Reclam, Stuttgart 2005, ISBN 3-15-010576-5, Seite 702/03)
Das berühmte Portrait Borodins, von Ilja Repin (1844-1930)

TRACKLIST

ALEXANDER BORODIN (1833 - 1887) String Quartets Nos. 1 and 2

Haydn Quartet, Budapest 
János Horváth, Lajos Földesi: Violins
András Rudolf: Viola
Gábor Magyar: Cello


String Quartet No. 1 in A Major   
Composed 1875-79, Premiere 30.12.1880 St.Petersburg

[1] Moderato - Allegro             (13:13)
[2] Andante con moto                (7:48)
[3] Scherzo: Prestissimo            (5:58)
[4] Allegro risoluto               (10:38) 


String Quartet No. 2 in D Major 
Composed 1881

[5] Allegro moderato                (8:07) 
[6] Scherzo:.Allegro                (4:46)
[7] Notturno: Andante               (8:24)
[8] Finale: Andante - Vivace        (7:11) 


Playing Time:                       66'27"

Recorded at the Unitarian Church, Budapest, from 25th to 28th October 1993.
Producer: Ibolya Tóth
Engineer: János Bohus
Cover Painting: Eternal Peace by Isaac Levitan
(C) und (P) 1994

Karikatur des "Mächtigen Häufleins" (1871) von Konstantin und Jelena Makowski, die St.Petersburger Komponistengruppe als geschlossene künstlerische Phalanx darstellend

Im Mittelpunkt steht Wladimir Stassow im Nationalkostüm als Propagandist die Trompete blasend. Auf seiner Schulter sitzt der Bildhauer Mark Antokolski und auf der Trompete ist Viktor Hartmann zu sehen. Balakirew trägt einen Dirigentenstab und Cui ist als Fuchs mit einem Lorbeerkranz dargestellt. Borodin ist weniger pointiert skizziert als seine Freunde, vermutlich weil ihm die Makowskis gewogener waren. Rimski-Korsakow ist eine Krabbe, die Nadeschda Purgold, seine spätere Frau, und deren Schwester Alexandra wie Schoßhündchen umarmt. Mussorgsky führt die skurile Gesellschaft als Haushahn an. Über allen erscheint wie Zeus der Kritiker und Komponist Serow.

Meine Quelle für diese Karikatur ist das "Russisches Musikarchiv", geführt von Marc Mühlbach (Hannover), eine sehenswerte Website mit Werksverzeichnissen und Bild- und Tonarchiv.

Isaac Levitan: Über der ewigen Ruhe (1894), Tretyakov Gallerie, Moskau

Isaac Levitan (1860-1900), dessen Werk Über der ewigen Ruhe das CD-Cover ziert, ist ein bedeutender russischer Landschaftsmaler, und wird in Olga's Gallery gewürdigt.
Olga's Gallery ist eine bedeutende frei zugängliche Online-Sammlung von über 10.000 Kunstwerken.

Reposted on February 21, 2014
CD Info (Tracklist, Covers, Booklet, Music Samples, Pictures) 12 MB
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11. November 2008

Hommage à Joachim: FAE Sonate (Schumann & Brahms & Dietrich)

Das bekannteste Beispiel für Gemeinschaftskompositionen in der Klassischen Musik ist die sogenannte FAE-Sonate (für Violine und Klavier), an der sich im Oktober 1853 Robert Schumann und seine Schüler Johannes Brahms und Albert Dietrich beteiligten. Dietrich berichtet in seinen "Erinnerungen an Johannes Brahms":

"Einmal wurde Joachim zum Besuch erwartet. Schumann schlug uns in heiterer Stimmung vor, gemeinschaftlich eine Violinsonate zu componiren. Joachim sollte dann errathen, von wem jeder Satz wäre. Der erste Satz fiel mir zu, das Intermezzo und Finale componirte Schumann, und das Scherzo hatte Brahms nach einem Motiv aus meinem ersten Satze ausgeführt. Als nun Clara Schumann und Joachim die Sonate vortrugen, traf dieser sofort das Richtige und erkannte den Autor eines jeden Satzes. Das Manuscript der Sonate wurde Joachim zum Geschenk gemacht, und Schumann schrieb darauf die Widmung: F.A.E. In Erwartung der Ankunft des verehrten und geliebten Freundes Joseph Joachim schrieben diese Sonate Robert Schumann, Johannes Brahms, Albert Dietrich."
Die "FAEsonatenüberraschung", wie es in Schumanns Haushaltsbuch heißt, fand am Abend des 28.Oktober 1853 statt. Das Tonbuchstabenmotto F A E, das in den Sätzen der Sonate (außer im Scherzo Brahms) verwendet wird, ist eine Abkürzung der Lebensmaxime Joachims "Frei, aber einsam". Die Sonate, die erst 1935 in der Originalfassung im Druck erschien, wird selten als ganzes aufgeführt; die einzige lieferbare Einspielung habe ich bei JPC bezogen, dem besten und größten deutschen Musik-CD-Versand.

Die CD enthält auch die opp. 2 und 5 von Joseph Joachim, Stücke für Violine und Klavier, die 1852 bzw. 1854 erschienen. Joachim war damals noch keine 25, und hatte bereits eine Karriere als 12-jähriges Wunderkind hinter sich. "Außer Brahms hat Schumann keinen jungen Musiker so hoch geschätzt wie Joachim, der nach und neben seinen Tätigkeiten als Konzertmeister in Weimar (unter dem Hofkapellmeister Franz Liszt) und Kapellmeister in Hannover, schließlich als Gründer und langjähriger Direktor der Berliner Hochschule für Musik zu einem der einflußreichsten Musiker des 19. Jahrhunderts wurde."

(Quelle: Joachim Draheim, im Booklet)
Johannes Brahms (sitzend) mit Joseph Joachim, Photographie, Klagenfurt, 1867
(C) Familienarchiv Ave Lallemant



TRACKLIST


FREI ABER EINSAM Vol. 4 
HOMMAGE À JOACHIM 

Florin Paul, Violine 
Birgitta Wollenweber, Klavier 


ALBERT DIETRICH (1829-1908) 
ROBERT SCHUMANN (1810-1856) 
JOHANNES BRAHMS (1833-1897) 
Sonata F.A.E                            28'13 
"In Erwartung der Ankunft des verehrten und geliebten Freundes
Joseph Joachim schrieben diese Sonate Robert Schumann, 
Albert Dietrich und Johannes Brahms" 

ALBERT DIETRICH     
[01] Allegro                            12'55

ROBERT SCHUMANN     
[02] Intermezzo     
    Bewegt, doch nicht zu schnell       2'50

JOHANNES BRAHMS     
[03] Allegro                             5'44

ROBERT SCHUMANN     
[04] Finale: Markiertes, ziemlich     
    lebhaftes Tempo                     6'49
    

JOSEPH JOACHIM (1831-1907) 
Drei Stücke für Violine                 18'21 
und Pianoforte op, 2 

[05] Nr.1 Romanze - Andantino            4'13
[06] Nr.2 Phantasiestück - Langsam       7'03
[07] Nr.3 Eine Frühlingsphantasie 
         - Andante con moto             7'09

Romanze für Violine und Pianoforte 
[08] Bewegt                              4'37

Drei Stücke op. 5                       17'12

[09] Nr.1 Lindenrauschen - Sehr bewegt   3'13
[10] Nr.2 Abendglocken - Langsam und 
    getragen, doch nicht schleppend     8'48
[11] Nr.3 Ballade - Sehr bestimmt,
    fast marschartig                    5'10

Gesamtspielzeit                         68'35 

Recorded: Stadthalle Kirchheim, Teck, 1997
(C) und (P) 1998 

Clara Schumann begleitet Joseph Joachim am Klavier: Ein (verlorenes) Gemälde von Adolph Friedrich von Menzel (1815-1905)


ZUM WEITERLESEN IM INTERNET:

Der Verein für die Geschichte Berlins steuert eine liebevolle Biographie Joachims bei.

Joseph Joachim heiratete im Juni 1863 die Sängerin Amalie Schneeweiß (1839–1899), von der er sich - trotz 6 Kindern und nach zwanzigjähriger Ehe - wegen seiner krankhaften unbegründeten Eifersucht scheiden ließ. Zum Leben von Joseph und Amalie veröffentlichte die Musikwissenschaftlerin Beatrix Borchard das Buch "Stimme und Geige - Amalie und Joseph Joachim: Biographie und Interpretationsgeschichte" (Wien: Böhlau, 2005. ISBN 3-205-77242-3) [Inhaltsverzeichnis]

Das Photo von Brahms und Joachim stammt aus dem Familienarchiv Ave Lallemant (veröffentlicht durch das Brahmsinstitut an der Musikhochschule Lübeck).

In seiner 1870/71 erbauten Berliner Villa Joachim eröffnete 1919 Magnus Hirschfeld mit seinem Mitarbeiter Arthur Kronfeld das erste Institut für Sexualwissenschaft, die weltweit erste Organisation, die sich zum Ziel setzte, sexuelle Handlungen zwischen Männern zu entkriminalisieren.

Nach Joseph Joachim ist ein Platz in Berlin-Grunewald benannt: Lageplan.

CD Info and Scans (Tracklist, Covers, Booklet, Music Samples, Pictures) 23 MB
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Reposted on May 1, 2015

Top 25 blogs of Classical Music News

what is this?

The Top 25 blog ranking is from http://www.invesp.com/blog-rank/Classical_Music

Ranking dates from August 4th, 2014 (the top 10 and the newcomers since October 29th, 2013, are special marked)

Thanks to Scott Spiegelberg and his blog
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